Categoría: Estreno

Lite Ruiz continúa expandiendo su propuesta musical con el estreno de “Verde”, un sencillo que se instala desde la raíz latinoamericana para invitar a una pausa consciente. A través del formato de guajira, la artista construye una atmósfera cálida y envolvente que conecta con la naturaleza, pero que al mismo tiempo interpela sobre la responsabilidad de cuidarla.La canción nace como una respuesta sensible a la crisis ambiental, abordando de forma directa problemáticas como los incendios forestales y el daño a los ecosistemas. Con una lírica simple pero cargada de intención, “Verde” se transforma en un llamado a proteger la tierra, el monte y los espacios que habitamos, proponiendo una escucha que no solo emociona, sino que también deja una reflexión.En lo musical, el sencillo mantiene la identidad de Lite Ruiz, donde confluyen el rock folk, el pop y las sonoridades de raíz latinoamericana. La interpretación vocal —honesta y cercana— se posiciona como el eje central del relato, transmitiendo un mensaje que busca resonar desde lo íntimo hacia lo colectivo.“Busco conectar con la gente a través de letras simples pero con un mensaje, que dejen un pensamiento y un sentir”, comenta la artista, quien ha construido su carrera desde la cercanía con el público y una puesta en escena que privilegia el contacto directo y emocional. En ese sentido, “Verde” también se proyecta como una experiencia viva en sus presentaciones, donde el mensaje adquiere aún mayor fuerza.Como parte de su proyección internacional, Lite Ruiz será parte de BIME Bogotá, donde se presentará el próximo 7 de mayo en Templo Sound, compartiendo escenario con Arlette Monn y Mary Jane, en un showcase que refuerza su presencia en el circuito latinoamericano.El sencillo cuenta con la composición de Marcos Ronald Schmidt y la mezcla de Juan Ignacio Iglesias, consolidando un trabajo que equilibra sensibilidad artística y conciencia social. Con este lanzamiento, Lite Ruiz reafirma su compromiso con una música que no solo acompaña, sino que también propone y moviliza.“Verde” ya se encuentra disponible en plataformas digitales y se presenta como una invitación a detenerse, respirar y reconectar con lo esencial: la naturaleza, la conciencia y el cuidado de lo que aún estamos a tiempo de proteger.

ocasiones en nuestra ciudad, como cuando una vez teloneamos a Javiera Parra y los Imposibles en el desaparecido Gimnasio de la Confederación Deportiva”, recuerda. “El escucharla en esta nueva versión y acompañada por un videoclip con imágenes tan evocativas ha sido un verdadero regalo para nosotros, que nos hace pensar que estos años de trabajo han valido absolutamente la pena”, afirma Cheuquelaf.

El videoclip que presenta esta versión del tema es fruto del trabajo de la escritora y activista Ana Marlén Guerra y de su hermano Raúl Guerra (que trabaja bajo el seudónimo de Ramut Pixel). “Gaby me contó que estaba preparando este cover justo cuando yo había tenido una noche de mucho pensar en cómo darle vida a una idea que venía gestando hace rato, sobre esta especie de monstruos que toman vida y que lamentablemente han estado ahí acechando, que son los aerogeneradores”, cuenta Ana Marlén, quien contactó a su hermano para proponerle trabajar en un videoclip. “En el camino ocurrió que mi hermano se entusiasmó mucho con el proyecto. Él es diseñador y también es artista plástico además de músico. Estuvimos trabajando en conversación permanente, hablando de las imágenes que surgían de este tema y así se fue gestando la idea potente que logró condensar Raúl en este proyecto”, relata.

Para Gabi Gómez la canción representa varias cosas. “Cuando la escuchaba me producía nostalgia. Si bien no menciona un sitio específico con nombre y apellido, sí habla de un paisaje que se repite dentro de la región. Y eso al momento de interpretarla me provoca una emoción tremenda. Hace un repaso breve, si se quiere, de nuestra historia, de cómo esta lejanía del resto del país sigue existiendo. Entonces siento que “Transpatagonia” tiene mucho de eso, de querer contarnos un poco de dónde venimos”, reflexiona el músico. Por su parte, Ana Marlén Guerra no duda en señalar que la música de Lluvia Ácida es parte de la banda sonora de su vida. “También es parte de la banda sonora de nuestra región y este tema en particular nos conecta inmediatamente con nuestro entorno, nos señala un camino claro, un viaje que muchas veces hacemos cuando nos dirigimos a distintas localidades de la región. Además, trabajar en colaboración con mi hermano, para Gabi en un tema original de Lluvia Ácida, me hace sentir que estamos conectados con el territorio que amamos y queremos proteger”, concluye.

El video de esta nueva versión de “Transpatagonia” ya está disponible en el canal de You Tube de Eolo Producciones.

La banda chilena de indie pop Ketterer, originaria de San Felipe, en el Valle de Aconcagua, acaba de estrenar su más reciente sencillo, “Mata Sanos” —una pieza introspectiva que captura con crudeza un estado emocional de grisura, desmotivación y malestar psíquico, profundamente ligado a las presiones del mundo moderno.La canción retrata a un narrador inmerso en un momento depresivo, sintiendo que ha perdido la chispa vital que antes lo impulsaba. Es un llamado de auxilio dirigido a “Mata Sanos”, un personaje ficticio inspirado en una expresión coloquial y popular en Chile y Latinoamérica.En palabras de Koke Figueroa, vocalista de la banda:“Esta canción nace en un momento de vibración muy baja que viví, pero componer esta música me sirvió como un gran desahogo para sentirme mejor y aliviar…”.La sonoridad de “Mata Sanos”Compuesta en 105 BPM y en la tonalidad de La menor, “Mata Sanos” abre con un sintetizador ejecutando acordes nostálgicos, acompañado por un bajo sintético con sutil distorsión controlada que instala una atmósfera densa y melancólica.Tras unos segundos, ingresa la batería con un ritmo de pop rock relajado pero energético en su justa medida, creando la base necesaria para el desarrollo emocional del tema.A los 0:27, el bajo orgánico entra con una ejecución minimalista y pulcra, en perfecta armonía con la textura general. Al mismo tiempo, la voz irrumpe con claridad, posicionándose ligeramente por encima del instrumental —sin opacarlo—, y canta desde el primer instante: “Mata Sanos…”.El estilo vocal es narrativo: no solo canta, sino que cuenta, con una armonía precisa que proyecta con fidelidad la intención, esencia y concepto de la obra. Los versos fluyen con naturalidad y propósito.En el segundo 0:47, una guitarra eléctrica introduce punteos a destiempo y disonantes, colocados de forma intencionada para generar una sensación de caos mental, oscuridad e incluso ligera inquietud —una elección sonora que refuerza la angustia del narrador.El coro llega en el minuto 1:05, con una energía ligeramente más vibrante, aunque respetando siempre esa vibración tenue y gris que define la pieza.A los 1:30, comienza una sección instrumental completa, acompañada por voces y tarareos en armonía. Aquí, el sintetizador toma el protagonismo, mientras un trombón entona una línea melódica cargada de nostalgia, añadiendo una capa cálida pero melancólica.El instrumental construye un crescendo sonoro sostenido que se extiende hasta el final en el 2:37, sin retornar a versos ni coros. Esta estructura —una sola sección de versos, una de coro y un desarrollo instrumental prolongado— mezcla lo pop con lo experimental, logrando una composición íntima, honesta y profundamente auténtica.“Mata Sanos” busca reflejar, conectar y dar voz a quienes atraviesan momentos de baja vibración emocional. En un país donde la salud mental sigue siendo un tabú, esta canción emerge como un testimonio valiente y necesario.Mata Sanos • Ketterer • Indie Valley Music Review“Mata Sanos” es una obra que no teme mostrar la fragilidad humana. Desde su primera nota, instala un clima de introspección profunda, utilizando cada instrumento no como adorno, sino como herramienta emocional.La producción equilibra lo orgánico y lo sintético con maestría: los sintetizadores y la guitarra disonante representan el caos interno. El trombón, inesperado y emotivo, añade una dimensión casi cinematográfica, elevando la sensación de nostalgia.La voz de Koke, cruda y sin artificios, actúa como faro en la niebla: directa, vulnerable, pero nunca derrotada.Técnicamente, la mezcla respeta los espacios dinámicos, permitiendo que cada elemento respire. El Mastering con una imagen estéreo bien contenida, conserva una estética íntima, envolvente y auténticamente orgánica.En un contexto chileno marcado por el silencio en torno a la salud mental, “Mata Sanos” no es solo una canción: es un acto de resistencia emocional.Para nosotros es un honor presentar “Mata Sanos” de Ketterer —una obra que invita a mirar dentro de nosotros, sin miedo, y pedir ayuda cuando se necesita.