Punta Arenas es una ciudad que aún conserva muchos cables aéreos. Y un músico se ha aventurado a captar los campos magnéticos que de ellos emanan y transformarlos en música. Se trata del músico puntarenense Nicolás Gómez Ampuero (integrante del dúo electrónico DISPERSIONES SONORAS), que ha publicado mediante EOLO Producciones el EP «ARQUITECTURA DE RUIDO». El trabajo explora una dimensión menos evidente del paisaje sonoro urbano: señales eléctricas, interferencias, pulsos, campos electromagnéticos y vibraciones generadas por antenas, cableados, postes, estructuras y sistemas de transmisión. Estos materiales, habitualmente invisibles e inaudibles para la percepción cotidiana, son transformados aquí en composiciones de música electrónica experimental, proponiendo una escucha expandida del territorio urbano austral. Las grabaciones fueron realizadas con una bobina artesanal, creada de forma autodidacta a partir de una pieza recuperada de otro dispositivo eléctrico. «Esta herramienta funciona como un oído electromagnético, permitiendo captar señales que no pertenecen al campo acústico tradicional, pero que igualmente forman parte del entorno. En este gesto, el dispositivo también adquiere una dimensión poética, una pieza de otra pieza, reactivada para escuchar aquello que normalmente no vemos», explicó Nicolás Gómez. El EP se compone de cuatro piezas principales: «EM01_Fuentes invisibles», «EM02_Campo urbano», «EM03_Pulso de calle» y «EM04_Línea fantasma». A ellas se suman tres microsurcos contextuales titulados «Notas de ruido», con muestras sin editar de algunos registros obtenidos como bitácora sonora dentro del proceso. «Este disco propone observar la ciudad como una red activa de señales, tensiones e interferencias, donde la infraestructura cotidiana se convierte en material sensible para la composición. Y también hacer preguntas, como, ¿qué efecto tienen estás señales en nuestro entorno?, ¿existen otras señales en nuestro transitar?», concluye el autor. «ARQUITECTURA DE RUIDO» está disponible para su escucha en las cuentas de Bandcamp y You Tube de EOLO Producciones.
Categoría: Estreno
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ZEPHYA presenta (DES)INTEGRACIÓN: un viaje sonoro entre disociación, ansiedad y transformación
Entre sintetizadores inquietos, texturas industriales y una narrativa marcada por la fragmentación psicológica, ZEPHYA presenta (DES)INTEGRACIÓN, un disco conceptual que convierte el conflicto interno en una experiencia sonora cinematográfica y profundamente emocional.El álbum —compuesto por 10 canciones y 36 minutos de música— introduce un universo psicológico donde el protagonista convive con ICH, una presencia constante que aparece de forma inestable, contradictoria y, en ocasiones, protectora. Inspirado por películas como Martyrs y Split, el proyecto construye una narrativa marcada por la disociación, la ansiedad y la tensión emocional, incorporando además figuras como los “Stimmens”, entidades deformes y extrañas que parecen formar parte de un experimento impulsado por una secta de origen todavía desconocido.Detrás de su estética oscura, (DES)INTEGRACIÓN habla sobre heridas emocionales reales: la culpa, el miedo, la tristeza, la presión interna y la necesidad de seguir adelante incluso después de tocar fondo. “Quiero que vean que yo, al igual que mucha gente, he sufrido distintas disputas en mi vida que me han llevado a pensar lo más doloroso de ella. Más que nada, quiero que sepan que no están solxs”, comenta ZEPHYA sobre el trasfondo emocional del proyecto.Musicalmente, el álbum se mueve desde el alt-pop hacia terrenos de electrónica experimental, drum and bass, rock alternativo y diseño sonoro industrial. Su propuesta prioriza la inmersión: paneos envolventes, múltiples capas vocales, efectos procesados y una producción orientada a generar tensión constante. Tracks como “VEREDICTO” exploran ritmos rápidos y frenéticos, mientras canciones como “CRUEL” bajan la intensidad desde una sensibilidad más íntima y acústica, sin abandonar la sensación de inestabilidad emocional que atraviesa todo el proyecto.Las influencias del disco dialogan con nombres como Twenty One Pilots, My Chemical Romance, Billie Eilish, Linkin Park y Gorillaz, además de referentes contemporáneos como Akriila y AJR. Sin embargo, ZEPHYA cruza esas referencias desde una identidad propia y emocionalmente expuesta, donde conviven cuerdas, piano, tratamientos vocales cercanos al rap y una producción detallista orientada a la inmersión.(DES)INTEGRACIÓN representa además un punto de madurez artística para el proyecto: el momento donde sonido, estética y narrativa terminan de unirse bajo una visión coherente y honesta. El disco funciona como la primera fase de un universo conceptual más amplio que continuará desarrollándose en futuros lanzamientos.El proyecto liderado por Benjamín Saavedra Flores contó con Alejandro González Vargas como ingeniero principal en distintas áreas de producción y desarrollo técnico; Sebastián Avendaño en producción y arreglos; Daniela Maldonado como ingeniera y músico invitada; y @Ninjanigro como productor en dos de las canciones del álbum.Con este lanzamiento, ZEPHYA propone una experiencia dirigida especialmente a quienes sienten que no encajan del todo, pero siguen intentando avanzar pese a sus propios conflictos internos. Un álbum oscuro, vulnerable y futurista que transforma la tensión emocional en un espacio de catarsis y reconstrucción. (DES)INTEGRACIÓN ya se encuentra disponible en las principales plataformas digitales, mientras que las novedades del proyecto pueden seguirse a través de su Instagram y YouTube.
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Isla Hind adelanta su primer disco con el sencillo ‘Elliott
Un homenaje a Elliott Smith e influencias de Zalo Reyes convergen en esta pieza de garage rock cebolla. La banda santiaguina Isla Hind abre la promoción de su álbum debut, “CHANO”, con el estreno de “Elliott”, primer sencillo del disco. Disponible en las principales plataformas, como Spotify, YouTube Music, Apple Music y TIDAL.El fonograma, de poco más de 3 minutos, está caracterizado por una vocación melódica, garajera y tintes de música cebolla. La banda comenta que “es de los temas más desenfadados del álbum, y está entre nuestros favoritos y entre los favoritos de nuestros amigos”.Sobre el nombre de la canción, Iván Ossandón, guitarrista líder y compositor, comenta: “es un título provisorio que llegó demasiado lejos. La maqueta se llamaba así por la influencia de Elliott Smith en la armonía, y por don Elliott Gould, el actor que hizo de Philip Marlowe en Un Largo Adiós (1973). La letra es una burrada naíf que llegó demasiado lejos, también, pero el coro está bien craneado.” Nombrados como Isla Hind por un pasaje en Pudahuel, la banda está conformada por Catalina Peña en el bajo, Sebastián Ardiles en la batería, Nicolás Cerda en la guitarra rítmica y voz, e Iván Ossandón en la guitarra líder y voz.Elliott fue grabada en los estudio Lauhaus, por Lautaro Vera (Intimate Stranger, Don Fango), y mezclada y masterizada por Camilo Pino e Isla Hind en estudio Empanadas Amanda. La portada estuvo a cargo de Iván Ossandón y Antonia Chandía.
El primer disco de Isla Hind lleva como nombre “CHANO”, y la fecha de estreno está fijada para el 17 de julio. Por lo pronto, la banda tiene agendado un show el 28 de mayo en Caja Acústica (Cumming #643), y otro el 25 de junio en Estudio Oculto de Ñuñoa (Av. Irarrázaval #3176).
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Moment aborda la fragilidad emocional en su nuevo single y videoclip “Brittle Hope
La banda chilena Moment presenta “Brittle Hope”, segundo adelanto de su próximo EP, profundizando la propuesta emocional y conceptual que comenzaron a construir con el estreno de “Nobody”.
Desde Santiago, el cuarteto continúa desarrollando una identidad sonora que fusiona hardcore y nu metal con una fuerte carga introspectiva, combinando riffs pesados, bajos contundentes, baterías rítmicas y capas de sintetizadores que construyen una atmósfera intensa y envolvente.
Integrada por Luis Robles en voz, Daniel Cubillan en bajo, secuencias y voz, Alberto Briceño en batería y Eduardo Díaz en guitarra y voz, Moment consolida una propuesta marcada por la honestidad emocional, transformando el dolor, la vulnerabilidad y la resiliencia en una experiencia sonora directa y profundamente humana.
En esta nueva entrega, “Brittle Hope” aborda el duelo desde una perspectiva íntima y conflictiva, explorando la dificultad de enfrentar la pérdida de alguien significativo y el desgaste que provoca aferrarse a un vínculo que ya no puede sostenerse. La canción se mueve constantemente entre la necesidad de avanzar y la imposibilidad de soltar, construyendo un relato emocional frágil, inestable y profundamente introspectivo.
El single llega acompañado de un videoclip dirigido por Daniel Cubillan, Paola Guerrero y Eleazar Cedeño, y producido por Soul Estudio, donde la narrativa gira en torno a un bucle de desesperación que muestra a su protagonista reviviendo constantemente el dolor de la pérdida. A través de pequeñas variaciones en cada repetición, la obra refleja cómo el paso del tiempo termina generando cambios silenciosos que abren espacio a la sanación.
La pieza audiovisual cuenta además con dirección de fotografía de Eleazar Cedeño, edición de Daniel Cubillan y Eleazar Cedeño, y la participación de la actriz Anyer Piñango, consolidando una propuesta coherente entre lo visual y lo sonoro. En paralelo, el trabajo de grabación y mezcla estuvo a cargo de Daniel Cubillan, mientras que la mezcla y masterización fueron realizadas por Eleazar Cedeño.
Con “Brittle Hope”, Moment continúa expandiendo el universo conceptual de su próximo EP, reafirmando una identidad artística que utiliza la música como un espacio para explorar emociones complejas y procesos humanos difíciles de enfrentar. El single ya se encuentra disponible en Youtube, Spotify y en todas las plataformas digitales.