El músico y compositor chileno Eduardo Caces, reconocido por su extensa trayectoria en la escena del rock nacional, presenta su más reciente proyecto artístico: Trilogía de lo Común: Lado B, una propuesta que fusiona música, narrativa audiovisual y experimentación sonora.Y así como en febrero estrenó el cortometraje del proyecto, basado en una animación dirigida por Camilo Lincolao, ahora es que el ex Lucybell presenta el disco que inspiró dicho contenido audiovisual, producido por Iván Aracena en Estudios Foncea, ya disponible en todas las plataformas de streaming.Con sonidos que abarcan desde el rock y el ambient, Caces se planteó desde el principio algunos «pies forzados» para su composición. La sonoridad fue clara: usó bajos, batería, synths, voz y un computador, excluyendo el uso de la guitarra, a modo de ejercicio y “tratando de mantener la sensación de que no está sobreproducido”, comenta el artista.“Tenía la estructura formal de lo musical. De cómo debía ser en su forma, de cuántas partes tendría, de qué debía repetirse en cada una. Todo esto, considerando de cómo debería ser precedida y cómo debería continuar, con intermedios que unirían cada tema”, extiende sobre este álbum, construido como una pieza continua de 15 minutos, que integra tres canciones y tres transiciones sonoras.Asimismo, este trabajo cuenta con la participación de músicos invitados como Cote Foncea en batería y Mauricio Castillo en trompeta.En planos profundosEl concepto de Trilogía de lo Común: Lado B, en tanto, fue inspirado por los días de pandemia, de acuerdo al bajista: “Era la sensación del paso de los días, de ese continuo presente, el que me dio la estructura sonora y formal”. Fue así como se escribió la historia de su protagonista “Conejo”, empeñoso en su trabajo, y que es parte de una cadena profunda de manipulación y control, cuya labor la hace sin cuestionamientos, hasta que un día cambió todo.“A Lincolao, le dí la libertad de interpretar desde su visión, lo que le transmitía la sonoridad de TDLC. Al poco tiempo apareció, nuestro especial “héroe” y qué pasaría si uno de los eslabones más débiles, diera cara a esa sensación de control”, lo que les abrió la puerta para desarrollar la historia definitiva.Una experiencia visual y sonora, que se resume como 100% inmersiva y donde los sentidos están rodeados de estímulos: “Con Trilogía (…), entras a un mundo concreto donde abandonas lo material, y en el cual, la música y la imagen están sostenidas en una historia que desde el principio marca y establece un momento, un tiempo, un universo. Te involucras de una u otra forma con lo que te propone y con su sonoridad. De alguna manera, te puedes llegar a identificar, en planos profundos, con el desarrollo de la historia del corto”, finaliza Eduardo Caces.
Categoría: Estreno
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Cler Canifru comparte el videoclippara su single “Ahí Es”
La artista chilena Cler Canifrú presenta el videoclip de “Ahí Es”, cuarto single de su más reciente disco “Santa Clarita”, en una colaboración junto a Chile Studios, incorporando tecnología XR (Extended Reality), una innovadora técnica audiovisual que mezcla escenarios digitales con elementos reales en tiempo real.
El video fue realizado utilizando tecnología XR, un sistema que permite proyectar escenarios digitales en tiempo real durante la grabación, haciendo que el artista se sienta dentro del entorno visual, en lugar de trabajar frente a una clásica pantalla verde. Esto genera una experiencia mucho más inmersiva, natural y cinematográfica tanto para la interpretación como para el resultado final.
“Lo que hicimos con ChileStudios fue trabajar desde un lugar mucho más cercano a cómo se producen hoy los contenidos internacionales. Poder estar literalmente dentro de los escenarios digitales cambia completamente la experiencia al grabar y también el resultado visual del video”, comenta Cler Canifrú.
Sobre el impacto de este tipo de tecnología en la escena independiente, Cler agrega: “Creo que esto puede ser súper potente para los músicos, porque hoy una canción no vive solamente en Spotify o arriba de un escenario. También vive en videoclips, redes sociales, sesiones en vivo, entrevistas y contenido audiovisual en general».
“Además, permite grabar videoclips con un estándar visual muy alto, pero de una manera mucho más eficiente y accesible. Antes, lograr algo así implicaba presupuestos gigantescos y hoy se vuelve una posibilidad mucho más real para proyectos independientes”.
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Titina Elegante inicia una nueva etapa con “Día gris (envidiosa)”, un single sobre admiración, obsesión y emociones incómoda
Luego de construir un universo propio a través de EPs y lanzamientos independientes, Titina Elegante regresa con “Día gris (envidiosa)”, una canción que marca el inicio oficial de la era de su primer álbum de larga duración. Se trata de un lanzamiento especialmente significativo para la artista chilena, no solo por ser el primer adelanto de su debut discográfico, sino también porque representa una evolución sonora y emocional dentro de un proyecto que desde sus inicios ha hecho de la honestidad cotidiana su principal sello.Compuesta, producida, mezclada y masterizada íntegramente por Josefina Siri Valenzuela (Titina Elegante), “Día gris (envidiosa)” se mueve entre un indie pop cálido y minimalista, construido a partir de sintetizadores suaves, guitarras serenas, percusiones discretas y una interpretación vocal que por momentos parece un susurro íntimo al oído. El resultado es una canción delicada, melancólica y cercana, donde la fragilidad emocional nunca pierde fuerza narrativa.La artista reconoce influencias directas de The Beths en la manera de abordar la escritura de la letra, mientras que en el terreno sonoro aparecen ecos de The Ophelias y de la atmósfera emocional del disco When the Pawn… de Fiona Apple. Sin embargo, lejos de quedarse en la referencia, Titina Elegante utiliza esas sensibilidades para empujar su proyecto hacia un lugar más maduro, introspectivo y cinematográfico.“Esta canción habla de sentimientos que no son bien vistos, como la envidia y las relaciones parasociales”, explica la artista. “Habla de una envidia que se mezcla con admiración, donde no hay deseo de ver mal a otra persona, sino un anhelo de poder ser ella.La canción toma distintas experiencias personales y relatos de amistades cercanas para construir una narración abierta, donde deseo, identificación y obsesión emocional se vuelven difíciles de separar. Esa ambigüedad también se traslada a la composición, que evita las explosiones grandilocuentes para privilegiar una sensación de cercanía constante.Aunque inicialmente el plan era esperar a terminar el álbum completo antes de liberar nueva música, “Día gris (envidiosa)” terminó convirtiéndose en una necesidad creativa. “Cuando me senté a producirla sentí que reflejaba demasiado bien la esencia de lo que soy y cómo ha evolucionado Titina Elegante. Se volvió necesario volver a compartir estos poemas y pensamientos que estaban escritos en las notas de mi celular”, comenta.El lanzamiento además contará con un videoclip programado para el viernes 22 de mayo, una semana después del estreno del sencillo. La pieza desarrolla un universo visual íntimo inspirado en la premisa del “día gris” dentro de la cinematografía, incorporando además intervenciones en stop motion realizadas con labial directamente sobre la imágen para expandir visualmente los versos vinculados a la envidia y la obsesión emocional. El videoclip estará disponible a través del canal oficial de YouTube de la artista.Con fotografías promocionales realizadas por Fernanda González y un próximo álbum debut en camino, Titina Elegante abre una nueva etapa creativa donde la vulnerabilidad, las contradicciones afectivas y la sensibilidad cotidiana encuentran refugio en canciones que abrazan aquello que muchas veces cuesta admitir.Como parte de este nuevo ciclo, la artista también prepara sus próximas presentaciones en vivo con fechas confirmadas para el 17 de julio en Jardín de Gente a las 19:00 horas (Grajales 2160, Santiago) y el 27 de junio en Open Folk de Jardín de Gente. Sigue a Titina Elegante en Instagram para no perderte sus novedades.
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Asspera debutará en Chile con un show cargado de metal bizarro y sátira extrema
La banda argentina Asspera aterrizará por primera vez en Chile para presentar un espectáculo que promete repasar buena parte de su repertorio más emblemático. El concierto se realizará el sábado 19 de septiembre en Sala RBX, ubicado en Avenida Vicuña Mackenna 1220, Ñuñoa, y marcará el esperado debut local de uno de los nombres más reconocidos del llamado “metal bizarro” argentino.
Con más de dos décadas de trayectoria, Asspera se ha consolidado como la agrupación más representativa de este subgénero en Argentina, caracterizado por mezclar música pesada, humor negro, sátira social y letras cargadas de ironía. La banda fue formada a fines del año 2000 por Richar y Rockardo Asspero y desde entonces ha desarrollado una propuesta que combina elementos del metal, el hardcore y el absurdo escénico.
El show en Santiago incluirá clásicos como “Hijos de Puta”, “Partiendo Cabezas”, “El peaje más caro del mundo” y varias de las canciones que han transformado al grupo en un fenómeno de culto dentro de la música pesada latinoamericana. La agrupación también es reconocida por sus particulares versiones de canciones populares reinterpretadas en clave de metal bizarro (incluyento colaboraciones con reconocidos personajes como Cristián Castro, Ale Sergi de Miranda,Tarja y El Bananero).
A lo largo de su carrera, ha recorrido gran parte de Argentina y países como Uruguay, Paraguay, Bolivia y México, donde realizaron una exitosa gira en 2019 invitados por la cantante finlandesa Tarja Turunen. Además, han compartido escenario o abierto conciertos para artistas internacionales como Linkin Park, Rammstein, Slayer, Ghost y Marilyn Manson, entre otros.
La banda cuenta actualmente con diez discos editados y una amplia presencia en plataformas digitales, donde también mantienen disponible parte importante de su material audiovisual y discográfico.
La apertura de la jornada estará a cargo de Hijos de Satán S.A., agrupación chilena de rock que ha llamado la atención por su propuesta performática, provocadora y de fuerte carga visual. El proyecto combina elementos del rock, hardcore punk y metal alternativo, abordando temáticas relacionadas con el poder, la corrupción, la moral represiva y la decadencia social desde una perspectiva frontal, irónica y confrontacional.
Según la producción del evento, el espectáculo busca transformarse en una experiencia intensa y cercana con el público, mezclando teatralidad, humor ácido y alta energía en vivo. La capacidad del recinto será limitada y las primeras 100 entradas cuentan con descuento especial a través del sistema Passline.